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Festival de Venecia, con poca calidad y mucha pasarela

 

 VENECIA (ITALIA).- La joven actriz Natalie Portman ha renovado su calidad de ’niña prodigio’ del cine al presentar en la Mostra ’Eve’, el cortometraje con el que debuta en la dirección y cuya proyección ha convocado las colas más largas de la jornada. Presentada ya sólo como "directora" en Venecia, Portman, de 27 años, apareció en la sala de proyección vestida con una camiseta gris, pantalones vaqueros y zapato plano para mostrar este pequeño filme que, protagonizado por Lauren Bacall y Ben Gazzara, ha sido aplaudido por el público.Claro que, antes del pase del cortometraje, la ovación ya había sido generalizada dado que su presencia en la sala junto al público no estaba prevista, aunque el despliegue de seguridad y su fotografiada llegada al Lido hicieron muy predecible la sorpresa.

 Desde ’León (El profesional)’ (1994), de Luc Besson, a ’Las hermanas Bolena’ (2008), Portman, nacida en Israel, ha acaparado la experiencia suficiente como para dar este salto en su carrera y no temblar a la hora de dirigir a dos leyendas de la pantalla.

 En ’Eve’, Bacall y Gazzara interpretan a dos viudos que afrontan su segunda cita, en la que también estará la nieta de ella. Así, con una premisa sencilla, Portman despliega una sensibilidad inusitada en un tema tan lejano para ella como es el ocaso vital.

 Candidata al Oscar por ’Closer’ (2004) y licenciada en Psicología en la Universidad de Harvard (EEUU), Portman no hizo declaraciones, ya que el martes ofrecerá una rueda de prensa ante los medios.

 ’Eve’ ha inaugurado, sin optar a premio, la sección Corto Cortissimo, dedicada al cine de pequeño formato y que tiene una sección oficial a concurso en la que participan 12 obras, entre las que se encuentra ’Tierra y pan’, del mexicano Carlos Armella.

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VENECIA (ITALIA).- La película ’Birdwatchers. La terra degli uomini rossi’, del director italochileno Marco Bechis, ha mostrado en Venecia que el hombre blanco continúa la conquista de América Latina.

 

Así lo define el director de este filme, que compite por el León de Oro a la mejor película, tanto en las imágenes del filme, como en sus declaraciones en la rueda de prensa.

 

En ’Birdwatchers’, el hombre blanco es el terrateniente y el Estado de Brasil lo protege, mientras los indígenas son los guaraníes que intentan sobrevivir en el Mato Grosso. La película describe esa lucha mostrando un bosque, donde viven los guaraníes, cortado en línea recta por el tractor de los terratenientes que cultivan inmensos campos.

 

"En América Latina hay muchos desaparecidos no sólo los de las dictaduras", dijo en rueda de prensa el autor de ’Garaje Olimpo’ (1999) película en la que denunció las torturas y asesinatos masivos perpetrados durante el régimen militar argentino.

 

Ademilson Concianza Verga, uno de los actores guaraníes presentes en la rueda de prensa, explicó que para ellos "no hay más animales, no hay más árboles, no hay caza y no hay pesca".

 

"Estamos muy tristes porque nuestros niños están muriendo. Somos como vosotros, somos seres humanos. No somos indios, si no personas que amamos, trabajamos, nos reímos, sufrimos. Se nos tortura porque ya no nos quedan bosques", dijo Eliane Juca da Silva, otra de las protagonistas.

 

Visiblemente emocionada, la actriz dijo que su pueblo sólo quiere "un pedazo de tierra para las cosechas" y que se le respete, como ellos respetan a los demás. "Espero que entendáis que esta película es una historia verdadera para que tengamos una oportunidad y se sepa cómo se comporta Brasil", agregó.

 

La tristeza de la que hablaba Juca da Silva se refleja en el filme en los suicidios de adolescentes y jóvenes guaraníes, que se quitan la vida "porque hay una ausencia completa de salidas para ellos", dijo Ambrosio Vihalva, jefe de tribu.

 

El dilema de la juventud

La falta de salidas también se plantea a otros jóvenes, como los turcos, según otra de las cintas proyectadas en Venecia, ’Süt’ (Milk) de Semith Kaplanoglu, un filme sin concesiones ni para el espectador ni para la vida.

 

En este segundo filme de la trilogía que comenzó en 2007 con ’Yumurta’ (Egg), Kaplanoglu muestra la vida del joven Yusuf cuando llega el momento de dejar la infancia para pasar a la vida adulta. "Quería mostrar la falta de salidas para la gente joven. Su confusión y su desorientación", comentó Kaplanoglu, para quien la vida adulta castra todos los sueños de la infancia, a juzgar por su película.

 

En ese paso de la infancia a la vida adulta, Yosuf debe abandonar su sueño de ser poeta y matar el amor por su madre para terminar trabajando en una mina.

 

Pocas concesiones hace también el director estadounidense de origen iraní Amir Nadir en su ’Vegas: Based on a true story’, una película que trata sobre la adicción al juego, pero también de cuando los sueños se convierten en obsesiones.

 

La historia cuenta la vida de una familia que vive a las afueras de Las Vegas y cómo se altera cuando alguien les dice que en su jardín puede estar enterrado un maletín lleno de dinero procedente de un antiguo robo.

 

Nadir, representante del cine independiente estadounidense, indicó en rueda de prensa que la película fue financiada gracias al dinero que ocho jugadores adictos le dejaron mediante un peculiar sistema.

 

Cada noche tenía que ir al casino donde jugaban y si, cuando él llega, tenían ganancias, le daban una parte para que la cambiara por dinero con la condición de que se quedara. Si seguían ganando, llegaba un momento en que se podía ir, si lo perdían, él les daba el dinero de vuelta.

 

"Si ganaban, yo rodaba al día siguiente, pero si perdían no, porque no tenía dinero", confesó Nadir, quien dijo que ese fue el motivo de que el rodaje, pese a ser muy sencillo, tardase seis meses. Nadir también declaró que los actores desconocían el sistema, por lo que no entendían la forma de rodar.

 

Los jugadores que le prestaron el dinero prefirieron quedarse en el anonimato "y ese es el motivo por el que en la película está en blanco el nombre del productor ejecutivo", concluyó Nadir, para quien finalmente su propia obsesión se convirtió en su sueño.

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VENECIA.- La ópera y el cine se reúnen en manos de Carlos Saura y el director de fotografía Vittorio Storaro, que han presentado este lunes en Venecia un anticipo de su quinta película juntos, ’Io, Don Giovanni’, sobre el proceso creativo de la ópera de Mozart desde el punto de vista de su libretista, Lorenzo da Ponte.

 

El autor y su obra se convierten, se salpican, se fusionan, "se devoran mutuamente" y dan lugar a esta visión "personal" que, entre el cineasta aragonés y el director de fotografía italiano, han compuesto de ’Don Giovanni’.

 

En ’Io, Don Giovanni’, efectivamente, el ’yo’ de Lorenzo da Ponte se adultera con el hedonismo que insufla a su personaje y que, según la película -coproducida por España e Italia y todavía en fase de montaje- está directamente inspirado por la galantería y fogosidad de Casanova.

 

"Lorenzo da Ponte, en su juventud, fue amigo de Casanova, frecuentaba casas de juegos, tenía muchas amantes... en fin, un desastre...o una maravilla, no lo sé", ha explicado Saura.

 

Ese a galope entre lo trágico y lo cómico, entre lo hedonista y lo inmoral, es el tono buscado para el personaje de Don Juan y, en consecuencia, para la película. "No hay que olvidar que viene de una ópera buffa", ha aclarado el cineasta, que se mostró cómodo en la ciudad donde consiguió el León de Oro en 1981 con ’Deprisa, deprisa’.

 

En esta misma ciudad -y siempre en italiano- nace el proceso de inspiración de ’Don Giovanni’, que pasa por Viena para su composición y, finalmente, llega a Praga para el estreno de la ópera en 1787, con el que se cierra la película. "Sin embargo, ha sido rodada toda en estudio", ha revelado Saura.

 

La grabación en estudio

Entre Ciudad de la Luz, en Alicante, y Dinocittà, el estudio de Dino de Laurentis en Roma, ’Io, Don Giovanni’, con un presupuesto de 5 millones de euros, ha seguido el patrón de cintas anteriores del director que, siempre auspiciado por la dirección fotográfica de Storaro, crea con grandes paneles fotográficos los escenarios.

 

Así, como en otras colaboraciones del tándem, como ’Tango’ (1998) o ’Goya en Burdeos’ (1999), a juzgar por los cinco minutos mostrados este lunes en Venecia -que muestran una escena de cama entre Don Giovanni y Donna Anna-, este nuevo proyecto vuelve a apabullar con su acentuada plasticidad, a la que hay sumar la potencia de la música de Mozart.

 

"Dejamos abierta la película a la frescura y a la improvisación, no queremos que sea algo rígido"

 

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La autoría entre Saura y Storaro se reparte: "A veces propone él y a veces propongo yo. Y ahora hemos llegado a un punto en el que ni siquiera tenemos que decirnos nada", afirmó Saura, mientras que el que fotografiara como nadie Vietnam en ’Apocaypse Now’ (1979) añadió que el cine, y en especial esta película, "es la síntesis de la imagen, la música y la palabra".

 

El realizador de ’Cría cuervos’ (1976) es también un experimentado director de ópera -estrenó una versión de ’Carmen’ de Bizet en abril, en Florencia- y cuenta con un reparto encabezado por Lorenzo Balducci, también presente este lunes en la ciudad italiana, y en el que figuran la española María Valverde y Tobías Moretti.

 

Filme interrumpido

El proceso de producción de la película se había iniciado ya en 2003, pero ’Io, Don Giovanni’, "una de las mejores experiencias cinematográficas de mi vida", según Saura, pasó por una fase crítica en la que el propio director "pensaba que nunca llegaría a acabarla".

 

El productor Andrés Vicente Gómez, que le había ofrecido el proyecto a Saura en Los Ángeles y le había introducido en el mundo de Lorenzo da Ponte, decidió abandonarlo debido a su complejidad.

 

Pero a esas alturas, Saura ya se había dejado fascinar por el personaje, que vivió ochenta años y murió en Nueva York. Captar la vida completa del libretista -que escribió también ’Las bodas de Fígaro’ y ’Così fan tutte’-, "habría sido imposible" y, por ello, decidieron centrarse "sólo en su fase de creación de ’Don Giovanni’", asegura Saura.

 

Así, la historia arranca en 1763 en la ciudad donde ahora han presentado su anticipo y todavía está por ver cómo será la línea narrativa, puesto que se valora la posibilidad de hacerla de manera cronológica o crear saltos en el espacio y el tiempo.

 

"Hacer una película es toda una aventura. Vittorio y yo somos aventureros. No nos vamos a cazar leones pero es como si lo hiciéramos en nuestras cabezas. Dejamos abierta la película a la frescura y a la improvisación, no queremos que sea algo rígido", afirmó.

 

 

 Michael Jackson, excéntrico icono de la historia de la música moderna, llega a los 50 años

LOS ÁNGELES.- Michael Jackson, excéntrico icono de la historia de la música moderna, cumple este viernes 50 años acuciado por deudas, demandas y una controvertida imagen pública que ha enturbiado la deslumbrante carrera del llamado ’Rey del Pop’. Sus indudables éxitos artísticos contrastan con conductas inexplicables que le llevaron a un juicio acusado de pederastia.

Niño prodigio, debutó en un escenario a los 4 años, era ya mundialmente famoso con 12 como solista de los ’Jackson Five’, grupo que formaba con sus hermanos, y obtuvo el primero de sus 13 premios Grammy con sólo 20 (’Don’t stop ’til you get enough’, 1979) aunque la gloria le llegaría con su mítico disco ’Thriller’ (1982). Aquel álbum revolucionó el pop, no sólo por las canciones, sino también por los vídeos musicales.

 La coreografía de zombis de la canción que dio nombre al LP o el tantas veces imitado paso de baile ’moonwalk’ que Jackson hizo suyo en la presentación del tema ’Billie Jean’, siguen siendo a día de hoy un referente.

 ’Thriller’, reeditado en 2008 año para conmemorar los 25 años de su lanzamiento, es el trabajo discográfico más vendido en la historia, con más de 100 millones de copias en todo el mundo, ocho Grammy y casi 60 discos de platino, lo que le valió a Jackson la corona de monarca absoluto de la música pop.

 Desde entonces, su carrera fue poco a poco cuesta abajo mientras su nombre se convertía en noticia más por sus excentricidades que por su talento. Jackson dejó otros discos memorables como ’Bad’ (1987) o ’Dangerous’ (1991).

 Tras varios recopilatorios, en 2001 llegó ’Invincible’, con el que no obtuvo las ventas esperadas, tras lo que Jackson volvió a recurrir a discos de grandes éxitos.

 Con sólo 20 años ganó 13 premios Grammy y su disco ’Thriller’ es el más vendido de la Historia

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El aún hoy ’Rey del Pop’, que no ejerce como tal desde hace siete años, ha querido confirmar su cetro en un álbum de edición limitada llamado ’King of Pop’ que saldrá durante las próximas semanas en varios países y en el que se incluyen los éxitos más valorados por sus seguidores en una votación.

 La estrella que nadie quiere

Si hay algo que no le ha faltado a Michael Jackson durante su medio siglo de existencia han sido los apelativos, muchos de ellos basados en comportamientos extraños y en rumores sobre su vida privada, de la que poco se sabe a ciencia cierta.

 En la biografía no autorizada del artista (’Michael Jackson: The Magic and the Madness’, 2003) el autor, J. Randy Taraborrelli, calificó a Jackson de "paranoico y desconfiado, solitario, enfermizo, asexual y testigo de Jehová".

 El cantante fue descubierto en varias ocasiones vestido de mujer en público y de él se llegó a decir que dormía en una cámara de oxígeno para mantenerse joven, algo que desmintió Jackson al igual que negó los cientos de operaciones estéticas que le han achacado.

 Él únicamente ha admitido dos cirugías de nariz y una para ponerse un hoyuelo en la barbilla, según explicó en su autobiografía ’Moonwalk’ (1988), mientras que el color blanquecino de su piel responde a que padece ’vitíligo’ —aseguró-, una enfermedad que causa despigmentación.

 Su interés por los desfavorecidos y especialmente por la infancia le valió el título de ’Embajador de buena voluntad’ que le otorgó el entonces presidente George Bush en 1992 y una década más tarde el premio de la Fundación Mijaíl Gorbachov que distingue a "personalidades que han contribuido a hacer un mundo mejor y más humano".

 Los episodios más turbios de su vida giran en torno a dos acusaciones de pederastia. La primera, en 1993, no llegó a juicio, pero en 2005 Jackson acudió a un tribunal para defender su inocencia

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Los episodios más turbios de su vida giran en torno a dos acusaciones de pederastia: aunque la primera, en 1993, no llegó a juicio gracias a un arreglo económico, en 2005 Jackson acudió a un tribunal para defender su inocencia.

 Los jueces absolvieron finalmente al cantante, que en una entrevista aseguró que había dormido "en una cama con muchos niños".

 Las denuncias, los lujos y el descenso de sus ingresos han llevado a Jackson a tener problemas para pagar a sus abogados, a sus empleados de su rancho ’Neverland’ e incluso la hipoteca de esa famosa propiedad californiana que intentó vender al futbolista David Beckham.

 Nacido el 29 de agosto de 1958 en Gary (Indiana, EEUU), séptimo de nueve hermanos, Jackson tiene tres hijos y estuvo casado dos veces, una de ellas con la hija de Elvis Presley, Lisa Marie.

 

 

 

Tilda Swinton, la última ganadora del Oscar a la mejor actriz secundaria, está pensando en un descanso...mera propaganda

 

 

VENECIA.- Tilda Swinton, la última ganadora del Oscar a la mejor actriz secundaria, sigue el ejemplo del también premiado Javier Bardem y anunció en Venecia que se toma un periodo sabático: "Me retiro un tiempo y es un placer anunciarlo".

 

"No he tenido problemas para compaginar mi vida familiar con la profesional, pero no quiero que mis hijos vivan entre maletas", aseveró en Venecia en una entrevista con medios internacionales.

 

La actriz británica, de 47 años, rentabilizará un año en el que, además de recibir la estatuilla dorada por una breve intervención en 'Michael Clayton', ha rodado con Béla Tarr 'The Man from London' y con los hermanos Coen 'Burn After Reading', que abrió el miércoles la Mostra y en la que encarna a una mujer con muy mal humor.

 

"Tengo toda una franquicia de 'bitches and witches' (zorras y brujas)", aseguró. "He interpretado a una blanca -la de 'Las Crónicas de Narnia'- a una negra -la que le dio el Oscar- y una roja -por su papel en 'Burn After Reading'. Creo que ahora mi futuro está encaminado hacia las amantes y alcohólicas", bromeó.

 

Sofisticada, de humor fino y piel pálida, Tilda tiene ese glamour 'indie' que la ha aupado como musa de los directores más rompedores y que, a la vez, le permite ser el toque de distinción de algunas superproducciones estadounidenses.

 

'Busco directores, no guiones'

Para sus películas de proyección minoritaria tiene una regla: "Nunca busco guiones, sino directores" y, así, no le ha importado realizar papeles episódicos en 'Adaptation' (2001), o protagonizar cintas complejas como 'Orlando' (1992), adaptación de la novela de Virginia Woolf por parte de Sally Potter.

 

En 'Burn After Reading' vuelve a coincidir con George Clooney y se estrena como compañera de reparto de Brad Pitt, con el que repetirá en otro de sus próximos estrenos, 'The Curious Case of Benjamin Button', que acaba de rodar.

 

Cine de altos presupuestos

Swinton tampoco reniega del cine de altos presupuestos: "Para mí, trabajar con efectos especiales es como hacer cine experimental. Intento que cuando ruedo una película cara, sea pionera en algún sentido", apostilló.

 

En esta ocasión, el filme de David Fincher será el primero en crear para un actor un rostro netamente digital, ya que cuenta la historia de un hombre -Brad Pitt- que, conforme pasan los años, rejuvenece.

 

"No quiero que mis hijos vivan entre maletas"

 

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"Hollywood mueve dinero, y dinero en cine es igual a tiempo. Eso a veces se traduce en calidad", explicó, pero sin dejar de hablar maravillas de otros títulos pendientes de estreno y lejanos de los grandes estudios.

 

En 2009 la veremos en la primera película como director de nada menos que Marilyn Manson, 'Phantasmagoria: The Visions of Lewis Carroll'; 'Io sono l'amore', del italiano Luca Guadagnino, y la francesa 'Julia', de Eric Zonca, entre otras.

 

Con tanto ajetreo, es normal que del Oscar ni se acuerde. "No sé qué tal estará. Se lo cedí a mi agente", afirma, aunque tampoco tiene mucha memoria para la Mostra, que le dio la Copa Volpi a la mejor actriz en 1991 por su interpretación en 'Eduardo II'.

 

"Sólo recuerdo que no pude recoger el premio y grabé un vídeo en el que mi piel brillaba como el reverso de una cuchara. Ese día descubrí que debía usar maquillaje para este tipo de cosas", bromeó.

 

Aquella cinta estaba dirigida por el iconoclasta Derek Jarman, con quien trabajó en filmes como 'Caravaggio' (1986), 'The Last of England' (1988), 'War Requiem' (1989), 'The Garden' (1990), 'Wittgenstein' y 'Blue', ambas de 1993.

 

’THE BURNING PLAIN’

Arriaga convence, Theron deslumbra

• La cinta del director Barbet Schroeder ha sido condenada por la crítica

(fotos...1...Guillermo Arriaga y Charlize Theron...2...El director francés Barbet Schroeder ...3...Alejandro González Iñárritu.)

VENECIA.- El mexicano Guillermo Arriaga, guionista de ’Amores perros’, ’21 gramos’ y ’Babel’, ha demostrado con su filme ’The Burning Plain’, que bien pudo haber dirigido esa trilogía que firmó como director su compatriota Alejandro González Iñárritu.

 

Sin embargo, la película, que este viernes ha sido proyectada en la Mostra de Venecia y que compite por el León de Oro, también ha dejado abierta la pregunta de si Arriaga será capaz de hacer algo más como director.

 

’The Burning Plain’, que tiene como protagonistas a Charlize Theron y Kim Basinger, es la primera película de Arriaga como director desde que se divorció laboralmente de Iñárritu, quien le acusó el año pasado de querer reclamar para sí la autoría de ’Babel’ y ’21 gramos’.

 

"Ante todo quiero dejar claro que Alejandro es un director maravilloso y estamos muy satisfechos de las tres películas que hemos hecho juntos", ha asegurado en rueda de prensa, en donde no ha querido ahondar en la polémica con su ex colega.

 

Y para no evidenciar su incomodidad, Arriaga ha hablado sobre su experiencia en ’The Burning Plain’: "Dirigir ha sido el momento más feliz de mi vida profesional".

 

Al igual que hiciera en las anteriores cintas de la trilogía de Iñárritu, Arriaga vuelve a tratar el tema de la muerte, "una obsesión", según ha dicho.

 

En su opera prima como director, Arriaga crea un puzzle con piezas de cuatro historias que van encajando a medida que avanza la película, hasta que, al llegar al final, no le sobra ninguna. Así, emplea la misma técnica narrativa de "la deconstrucción del tiempo" que ya empleó en la citada trilogía.

 

La historia analiza el vínculo misterioso que une a varios de sus personajes separados en el espacio y en el tiempo: Mariana (Jennifer Lawrence), una joven de 16 años que busca recomponer el matrimonio de sus padres en una ciudad junto a la frontera de México; Sylvia (Charlize Theron), una mujer de Portland que hace un viaje emotivo para afrontar un pecado del pasado; Gina (Kim Basinger), que tiene un amor clandestino; y María (Tessa La), cuyo padre sufre un accidente de avión.

 

Durante la presentación, Arriaga, quien se define como "escritor de cine", también destacó la complicidad que desarrolló con su equipo de trabajo. Y pudo verse, sobre todo con Charlize Theron, quien se ha involucrado económicamente en el proyecto.

 

Relajada y sin el lado comprometido que el año pasado mostró durante la presentación de ’In the Valley of Elah’, en la que pidió la retirada de las tropas de Irak, la actriz sudafricana ha confesado que tiene novio.

 

La crítica saca las uñas

 

 

El director francés Barbet Schroeder , tras la presentación de su filme. (Foto: EFE)

Aunque no ha sorprendido del todo, la película de Arriaga ha sido bien aceptada por la crítica, lo que no ocurrió con el filme ’Inju, la bête dans l’ombre’.

 

El director Barbet Schroeder ha presentado esta cinta en la competición por el León de Oro, una obra de suspense que ha sido condenada de forma unánime por la crítica del Festival de Venecia.

 

La película trata sobre Alex Fayard, un autor de éxito de novelas policíacas que viaja a Japón e intenta conocer a un misterioso colega suyo, el mejor escritor del género en ese país, pero al que nadie conoce.

 

Terror latinoamericano

En la sección fuera de concurso ha corrido la sangre, pues José Mojica Marins, maestro de la serie B brasileña, regresa después de 40 años con su personaje estrella, Zé do Caixão en ’Encarnação do Demônio’.

 

El director y actor de la película anda en busca de un heredero de su aristocrático santanismo, excusa que le ha servido para desplegar una orgía de mujeres desnudas y culos descuartizados, en combinación con unos efectos especiales que han dado gran resultado.

 

"En Brasil ha producido pesadillas, la gente vomitaba en el cine. Ha creado el impacto que queríamos, dejar alucinado al público y ahora a ver cómo lo acepta el resto del mundo", ha destacado Mojica.

 

 

La moda en el festival de cine de Valencia

1.. Valentino Garavani......2...Takeshi Kitano, durante la presentación de la cinta 'Akires to Kame'

VENECIA.- 'El último emperador' es como define el documental del periodista Matt Tyrnauer al diseñador italiano Valentino, quien ha sido, indiscutiblemente, el protagonista de la segunda jornada de la Mostra de Venecia.  La moda se abrió paso este jueves en el festival, para descabalgar al cine del podio y centrar los flashes en la diminuta figura del genio que presentó su última colección el 23 de enero pasado.

 Y aunque en el filme desafía diciendo "después de mí, el diluvio", en la rueda de prensa Valentino Garavani espetó en tono épico: "La moda no morirá jamás, es como una vieja canción que permanece para siempre".

 "Miro con atención cómo sigue Valentino tras mi jubilación y deseo que vaya bien. Al fin y al cabo, la empresa sigue llevando mi nombre", explicó respecto a la nueva línea que ha dado su nueva diseñadora, Alessandra Facchinetti.

 La hipótesis del documental no es tanto que su genio sea irrepetible y único, sino que con su ausencia ha desaparecido la concepción artesana de la moda. Por eso, principalmente, Valentino se erige como ese 'último emperador'.

 Pero entre la meditada inaccesibilidad del diseñador, emerge como verdadero protagonista del documental su infatigable compañero desde que se abrió la firma en 1960: su asesor, ayudante y siempre obviado amante Giancarlo Giammetti, quien deslumbra por la pureza de su fidelidad, respeto, aceptación y admiración al mito.

 

Los iconos que engrandecieron a Valentino

Nati Abascal, Gwyneth Paltrow, Michael Caine y Joan Collins son, junto con sus inseparables perros Milton, Monty, Maude, Margot, Maggie y Molly, algunas de las personalidades que aparecen en el filme.

 

Pero también se recuerda a Audrey Hepburn, a Jackie Kennedy y a Lady Di, las que década tras década confirmaron que la apuesta de Valentino por lo clásico jamás perdía vigencia.

 

"A lo largo de estos años, he aprendido que la belleza va más allá de lo físico. Está en la actitud, está en el movimiento, y he aprendido a vestir a gente que no era especialmente hermosa, pero que sabía crear belleza", reflexionó.

 

Sin embargo, ese factor tan intangible no es el que le ha convertido en una figura clave de la moda: "El único secreto ha sido empezar desde abajo, poco a poco. Sólo la experiencia te puede llevar a lo más alto".

 

Las 250 horas de metraje reducidas a 90 minutos de duración también revelan la complejidad de las pompas sobre las que se sostiene un mundo descalificado por su supuesta frivolidad.

 

En términos cinematográficos, a Matt Tyrnauer, colaborador de Vanity Fair, le puede más la vertiente periodística. Aunque pretende captar la cara y la cruz del genio, no consigue ocultar su fascinación por su objeto de estudio, del que sólo muestra los defectos cuando engrandecen al personaje.

 

Al final, como uno de sus mejores trajes, 'Valentino: The Last Emperor' se ciñe perfectamente a la leyenda. "Estoy harto del rojo. Mis vestidos de ese color han sido los más simples y estúpidos de mi carrera", clama el diseñador ante su troupe.

 

Inicia la sección de competición

 

 

Takeshi Kitano, durante la presentación de la cinta 'Akires to Kame' (Foto: AFP)

En la segunda jornada del Festival Internacional de Cine, el director japonés Takeshi Kitano y el alemán Christian Petzold han inaugurado la sección de competición con dos películas y grandes palabras, porque para uno el arte es un sueño tangible y para el otro el amor es imposible en la miseria.

 

'Akires to kame' ('Aquiles y la tortuga') es la propuesta de Kitano para hacerse con el que sería su segundo León de Oro, que obtuvo en 1997 con su 'Hana-bi' y completa la trilogía sobre el arte y el espectáculo, que comenzó con 'Takeshis' (2005) y continuó con 'Kantoku-Banzai' (2007).

 

La película muestra el sueño de Machisu, el nombre de Matisse en japonés, un pintor que desde la niñez antepone la pintura a todo lo demás, incluso a su propia vida, para alcanzar el sueño inalcanzable del arte.

 

Frente a cualquier idealismo de los sentimientos se estrellan los personajes de 'Jerichow', la película de Petzold, que pone los pies en la tierra hasta el punto de que Laura (Nina Hoss), la protagonista, llega a afirmar: "No se puede amar sin dinero".

 

Laura es la esposa de Alí (Hilmi Sözer), un hombre de negocios turco que la ha rescatado de un bar de mala muerte en una de las zonas más deprimidas de Alemania y se ha casado con ella. Pero es un rescate que tiene un precio, el de una deuda económica que ella tenía contraída y que debe pagar a como de lugar.

 

La competición continuará mañana con la francesa , y la esperada 'The Burning Plain', producción estadounidense del mexicano Guillermo Arriaga.

 

Festival de Cine de Venecia..comenzamos cobertura...la Mostra de Venecia abre con 'Burn After Reading'

 

1..pitt y glonne...2...Ethan (izda.) y Joel Coen..3..Tilda Swinton, Ethan Coen, Frances McDormand, Brad Pitt, George Clooney y Joel Coen (de izda. a dcha.).

VENECIA (ITALIA).- Los hermanos Coen, respaldados por la presencia estelar de George Clooney, Brad Pitt y Tilda Swinton, han abierto a carcajadas la Mostra de Venecia con ’Burn After Reading’, una parodia del cine de espionaje con la que firman un producto redondo pese a su vocación decididamente menor.

 

Los actores llevan la impronta de estrellas de primera categoría al evento de 11 días, en el que se puede encontrar todo, desde el oscuro cine de autor asiático hasta pesos pesados de Hollywood.

 

"Esta vez buscamos primero a los actores y luego escribimos para ellos los personajes", explicó Ethan Coen y, con nombres tan destacados en el reparto —hay que sumar también a la esposa de Joel, Frances McDormand, y a John Malkovich—, consiguieron hacer "una visión particular de las películas de Jason Bourne", según ellos.

 

Teniendo en cuenta que todos los personajes del filme son "profundamente estúpidos", las reglas del cine de espionaje se ven profundamente adulteradas y los actores presentes hoy en Venecia intentaron no darse por aludidos. "No sé si sentirme halagado o insultado", dijo Brad Pitt en una de sus escasas intervenciones.

 

Efectivamente, ’Burn After Reading’ tiene como detonante la imaginación de personas profundamente aburridas con sus vidas y cuyas paranoias les embarcan en una trama criminal que, aun en su absurdo, se cobrará numerosas víctimas.

 

Pese a que los Coen retoman con sorna las rivalidades entre Estados Unidos y Rusia y ponen a jugar en la misma partida a dos mundos tan opuestos como la CIA y un humilde gimnasio de Washington, "la película no tiene ninguna lectura política, es un mero divertimento", enfatizó George Clooney, que abandona momentáneamente el lado más comprometido de su carrera.

 

Un precedente de éxito

’Burn After Reading’ fue, no en vano, escrita por los hermanos Coen durante el rodaje de ’No es país para viejos’ (2007) y, en todo momento, planea sobre ella el concepto de contrapunto al ambiente opresivo que les dio el Oscar.

 

Así, la cinta se convierte en una suerte de reunión de amigos, en la que Clooney vuelve a encajar como un guante en el patetismo cómico de los dos hermanos, a la vez que embauca en el tándem a su compañero de fatigas en la saga de ’Ocean’s Eleven’, Brad Pitt, y a Tilda Swinton, quien le secundó en ’Michael Clayton’ (2007).

 

"La sensación de improvisación que transmite la película demuestra la calidad del guión que Ethan y Joel han creado", aseguró Tilda Swinton, la única que puso un punto reflexivo en una rueda de prensa en la que se percibió y agradeció la camaradería pero faltó el contenido.

 

Los Coen, tradicionales asistentes de Cannes, han intercambiado este año sus papeles de "niños bonitos de festival" con Woody Allen, habitual en Venecia y que este año llevó su ’Vicky Cristina Barcelona’ al certamen francés también fuera de concurso.

 

Es la tranquilidad que da el estar fuera de concurso. "En los premios confluyen muchos intereses, muchas veces más relacionados con las productoras que con la propia película", aseguró Joel Coen después de vivir un año triunfal gracias a su anterior película y de haber triunfado en Cannes con filmes como ’Barton Fink’ (1991) y ’Fargo’ (1996).

 

 

 

Tilda Swinton, Ethan Coen, Frances McDormand, Brad Pitt, George Clooney y Joel Coen (de izda. a dcha.). (Foto: AFP)

Aun sin competir, ’Burn After Reading’ abre el apetito para la edición número 65 de este festival que, hasta el día 6 de septiembre, verá desfilar por sus pantallas obras de autores como Takeshi Kitano, Guillermo Arriaga y Jonathan Demme.

 

La película inaugural ha apostado claramente por la intrascendencia. "Después de todo, ¿qué hemos aprendido?", se pregunta un personaje en la hilarante escena final de la película. ’Burn After Reading’ sin embargo es, pese a su falta de pretensiones, toda una lección de cine.

 

Aunque hay cinco películas estadounidenses entre los 21 contendientes de la competición principal, todos representan al cine ’independiente’ de bajo presupuesto en oposición a los grandes estudios, los cuales no están en Venecia esta vez.

 

Protagonismo del cine independiente

El director del festival, Marco Mueller, quien junto a su equipo vio alrededor de 3.000 películas que fueron reducidas a 55 en la selección oficial, dijo que la menor presencia de estudios de Hollywood en el festival en parte de debía a la huelga de 14 semanas de los guionistas, la cual terminó en febrero.

 

"Tenemos cinco películas estadounidenses en competición y la mayoría de ellas son filmes con estrellas, aunque en cierto modo la huelga sólo significó que algunas de las películas de los grandes estudios serán estrenadas a finales de diciembre o en enero", explicó.

 

Las películas estadounidenses que compiten en Venecia incluyen a ’Rachel Getting Married’, dirigida por el ganador del Oscar Jonathan Demme y protagonizada por Anne Hathaway y Debra Winger, quien ha sido candidata al Oscar tres veces.

 

Kathryn Bigelow dirige el drama iraquí ’The Hurt Locker’, un año después de que ’Redacted’, de Brian De Palma, impactara a las audiencias de Venecia con su brutal reconstrucción de hechos reales de la guerra.

 

Japón compite con tres largometrajes, encabezados por el reverenciado director Hayao Miyazaki, cuya película ’Ponyo on the Cliff by the Sea’ ya está arrasando en la taquilla de su país.

 

Fallece actor de reparto de

Era el último actor que seguía con vida entre los que actuaron en ’Lo que el viento se llevó’. El estadounidense Fred Crane contaba 20 años en 1939, cuando interpretó el papel de Brent Tarleton, uno de los pretendientes no correspondidos de Escarlata O’Hara (Vivian Leigh). A pesar del éxito de la película, Crane dejó el cine para dedicarse al teatro, la radio y la televisión.

 Crane, que padecía de diabetes, murió el 21 de agosto a los 90 años en un hospital de Atlanta, en el estado de Georgia, debido a un coágulo de sangre en uno de sus pulmones.

 El actor, que dedicó su vida principalmente al teatro, la radio y la televisión en EEUU, se hizo con un lugar en la historia del cine gracias al mítico filme.

 ’Lo que el viento se llevó’, que cumplirá 70 años en 2009, abrió las puertas del firmamento de Hollywood a quienes participaron en él y marcó sus carreras, incluso en el caso de los dos protagonistas, Vivien Leigh y Clark Gable, cuya imagen siempre recuerda a sus personajes de Scarlett O’Hara y Rhett Butler.

 

Una secuencia en la cual aparece Fred Crane, interpretando uno de los gemelos Tarleton

 

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Para Leigh ’Lo que el viento se llevó’ supuso su primera estatuilla como mejor actriz, un premio que volvería a lograr por su papel en ’Un tranvía llamado deseo’ (A Streetcar Named Desire) (1951), otro título con solera cinematográfica.

 

Gable, uno de los galanes de Hollywood por excelencia, se quedó sin Oscar por aquella película, aunque sí obtuvo ese reconocimiento por ’Sucedió una noche’ (It Happened One Night) (1934). Tanto Leigh como Gable murieron en la década de los 60 y actualmente solo media docena de intérpretes del filme continúan con vida.

 

Alicia Rhett (India Wilkes) es la actriz más longeva con 93 años, seguida por Olivia de Havilland (Melanie Hamilton) con 92, Mary Anderson (Maybelle Merriwether) con 88, Ann Rutherford (Carreen O’Hara) de 87, y niños del largometraje Mickey Kuhn y Cammie King (Beau Wilkes y Bonnie Blue Butler) de 75 y 74 años, respectivamente.

 

El 4 de julio 2008 dijo adiós Evelyn Keyes (Suellen O’Hara) a los 92 años, por lo que Rutherford se convirtió en único miembro vivo de la familia O’Hara. Con la marcha de Fred Crane el cine despidió al último de los pretendientes que rondaba a la joven Scarlett O’Hara en la película. Crane hacía las veces de Brent Tarleton que junto con su hermano mellizo Stuart se disputaban la atención de la protagonista, a la que finalmente seduciría Rhett Butler (Gable).

 

George Reeves (Stuart Tarleton), que se hizo muy popular como el Superman de la televisión de los 50, ya había fallecido en 1959. De Fred Crane fueron las primeras palabras del filme, en la escena en la que dialoga con Scarlett y Stuart en el porche del rancho algodonero Tara de la familia O’Hara.

 

"¿Qué importa que nos hayan expulsado de la universidad, Scarlett? La guerra va a empezar un día de estos, así que habríamos dejado la escuela de cualquier modo", dijo.

 

Este actor siempre se consideró "un pequeño fragmento en un gran mosaico", en relación a su aparición en ’Lo que el viento se llevó’, un trabajo que fue tan casual como su irrupción en la meca del cine.

 

Nacido en Nueva Orleans en 1918, fue su madre la que le impulsó a subirse a un tren rumbo a la costa oeste de EEUU en 1938 para probar suerte en Hollywood. Allí contactó con su prima, una antigua actriz de cine mudo, a quien acompañó a la audición de su hija para el papel de Suellen O’Hara en ’Lo que el viento se llevó’.

 

Inesperadamente Crane llamó la atención del responsable de seleccionar a los actores y tras leer las primeras líneas del guión obtuvo el trabajo. "Fue por estar en el lugar correcto en el momento indicado", explicó el actor tiempo más tarde.

 

Recientemente, Ann Rutherford, en declaraciones al diario Los Angeles Times, aseguró que, a pesar de que Crane y Reeves no se parecían mucho físicamente "eran extremadamente atractivos".

 

En el momento de su muerte, Crane se encontraba escribiendo su autobiografía en la que "Lo que el viento se llevó" era uno de los temas principales.

 

The Doors, no puede resucitar sin Jin Morrison

Ray Manzarek (izda.)y Robby Krieger.

La disputa que mantiene en los tribunales los tres miembros supervivientes de The Doors parece encarar su recta final, después de que el Tribunal Supremo de California haya desestimado el recurso presentado por el teclista Ray Manzarek y el guitarrista Robby Krieger.

 

Según una información de la agencia AP, los dos integrantes de la legendaria formación tendrán que pagar más de cinco millones de dólares en concepto de indemnización, después de que el tribunal les condenara por haber utilizado de manera inapropiada el nombre e imágenes de The Doors durante una gira en 2003.

 

De este modo, Manzarek y Krieger tendrán que indemnizar al tercer integrante de la formación, el batería John Densmore, a los padres del fallecido Jim Morrison (cantante y líder de The Doors), y a los padres de Pamela Courson, esposa de Morrison, que falleció en 1974.

 

El caso data de 2002, cuando Densmore rechazó una oferta de los otros dos miembros del grupo para participar en una gira bajo el nombre de The Doors. Según el relato de Densmore, él no se oponía a que Manzarek y Krieger realizaran una gira interpretando las canciones de la banda, simplemente no le parecía apropiado que lo hicieran bajo el nombre de The Doors y empleando el logo y la imaginería de la ’era Morrison’.

 

"No puedes hacerte llamar The Doors porque no puedes ser The Doors sin Jim Morrison", alegó el abogado de Densmore, quien demandó a Manzarek y Krieger en 2003, tras el inicio de la gira con Ian Astbury —vocalista de The Cult— como cantante y bajo el nombre de The Doors of the 21st Century.

 

Densmore argumentó que la frase "of the 21st Century" a menudo iba impresa en una tipografía mucho más pequeña, y que la nueva banda utilizaba la imagen de Morrison docenas de veces durante los conciertos. La gira supuso unos beneficios netos de 3,2 millones de dólares, que fueron a parar a una compañía llamada Doors Touring, Inc., sin que Densmore o los padres de Morrison y Courson participaron de esas ganancias.

 

En 2005, un juzgado ordenó a la nueva formación dejar de utilizar el nombre ’The Doors’ de ninguna forma, y condenó a Manzarek y Krieger a pagar a Densmore y los padres 3,2 millones de dólares, además de las costas del juicio. El recurso, que ahora ha sido desestimado, alegaba que tales cifras eran excesivas.

 

 

Ray Manzarek (izda.)y Robby Krieger. (Foto: AP)

La sentencia se basa en un acuerdo firmado en 1970 por los cuatro miembros fundadores del grupo, incluido Jim Morrison, que establecía que cualquier acción o negocio debía ser aprobado de forma unánime por The Doors. El pacto se alcanzó después de que Morrison y sus tres compañeros mantuvieran una agria discusión como fruto del uso de ’Light My Fire’ en un anuncio.

 

"A pesar de que tres miembros estaban de acuerdo con el uso comercial, Morrison se opuso de forma vehemente y el anuncio no se hizo", explica el tribunal en su escrito.

 

Desde que Jim Morrison falleciera en París en 1971, los tres miembros restantes de la formación y los padres acordaron velar por la música y la memoria de los Doors, teniendo cada uno de ellos poder de veto en negocios que implicaran a la banda.

 

Así, hace siete años, por ejemplo, General Motors ofreció 15 millones de dólares para utilizar la canción ’Light My Fire’. Todos, menos Densmore, querían firmar, pero el batería se negó. También rechazó un contrato con Apple. "Morrison siempre fue contrario a hacer anuncios y Densmore quiere honrar la memoria de Morrison", explica la sentencia.

 

En la actualidad, Manzarek y Krieger siguen interpretando temas de los Doors bajo el nombre de Riders on the Storm, una de las canciones más conocidas de la banda, junto con temas como ’Break on Through’ o ’L.A. Woman’.